David Altmejd, Creador de los seres que nunca existieron.

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     La obra de este artista nos muestra un mundo nuevo, en el cual esta presente la fantasía, el misterio, lo raro, el morbo, lo desconocido. Lo logra con una minuciosidad excepcional en cuanto al trabajo formal de la obra, en donde texturas, colores y formas se unifican creando seres que parecen respirar.

El material tiene una función muy importante en sus obras, para crear estos mundos alternos, el artista usa objetos de la vida cotidiana como hilos, bisutería brillante, flores plásticas, plásticos, los cuales tienen un peso simbólico por ser objetos con un fin específico, pero David Altmejd transforma estas percepciones simbólicas dándoles una nueva intención, en realidad dejan de ser lo que era antes para ser parte de un sistema nuevo, cada objeto forma un todo y todos parecen ser de gran importancia, como un organismo que funciona a partir de sus pequeñas partes que lo constituyen.  

Es así como el artista se hace valer de símbolos sociales para transformarlos en algo nuevo gracias a su capacidad de reflexión y su fácil acceso a ese mundo de nuevas posibilidades (primeridad).

En la etapa de realización, es decir al trasladar la idea que solo existe en un mundo de posibilidades a lo real, se sirve de diversos elementos para lograrlo como por ejemplo la elección de los colores que son de gran importancia para la coherencia y unificación de objetos diversos que conviven para formar un solo ser.

El detalle meticuloso de su trabajo hace que resulte una escultura con una belleza incomparable, este ideal estético del orden y lo delicado es también parte de nuestro imaginario colectivo, y el artista se aprovecha de el y lo hace presente en su obra con gran habilidad. Pero esta experiencia agradable visualmente se contrapone con residuos de cuerpos humanos, miembros sexuales excitados, hombres con cabeza de animal, etc. Como si la belleza que logra trasmitir estuviera infectada por algo prohibido o incómodo, logrando despertar en el espectador un morbo por el placer mismo.

Logra con su obra despertar una reflexión hacia lo mas intangible y espiritual de lo humano a partir de lo esencial, lo corpóreo, de la piel, de las funciones mas básicas del cuerpo, la parte en donde somos similares a los animales.

Podemos ver a un artista creador de ideas, otorgando vida a nuevas formas, a nuevos seres, nos abre las puertas a nuevas posibilidades en donde nos hace reflexionar acerca de nuestra propia existencia, y cuestionarnos las posibilidades de la realidad. Logra disminuir los límites de la realidad y la imaginación envolviéndonos en el mundo de las posibilidades.

 

        

      

Glosario

 

Anti-arte:

“… Éste concepto se opone y rechaza al arte en sí, ya que su propio significado implica artificialidad, ya sea en la creación, en la forma o el método. Para lograr mayor afinidad y comprensión de la realidad concreta, el nihilista del arte o el antiartista (ellos generalmente niegan estas definiciones) crea “antiarte” o ejercita la nada. Las formas “antiarte” redirigen principalmente contra el arte como profesión, contra la separación artificial entre el intérprete y el público, entre el creador y el espectador o entre el arte y la vida; se sitúa contra las formas, pautas o métodos artificiales del propio arte; contra un arte que precise un fin, una forma y un sentido determinados; el antiarte es vida, es naturaleza, es auténtica realidad, es uno y todo. La lluvia es antiarte, el murmullo de una multitud es antiarte, un estornudo es antiarte, el vuelo de una mariposa o los movimientos de los microbios son antiarte. Son tan hermosos y tan dignos de ser conocidos como el propio arte. Si el hombre pudiera experimentar el mundo, el mundo concreto que lo rodea (desde las ideas matemáticas a la materia física) en la misma forma en que experimente el arte, no habría necesidad de arte, artistas ni de otros elementos “no-productivos” similares.” (Recerca: revista de pensament i anàlisi, año 1995, vol. 17, núm. 5, Galán Serrano, “Beuys, Fluxus, Duchamp: historias de provocación”) 

http://www.raco.cat/index.php/RecercaPensamentAnalisi/article/viewArticle/106392/0 

Desiderativo: (Del lat. desideratīvus).

1. adj. Que expresa o indica deseo.

Estado estético:

“… desde Heidegger a Gadamer, que interpretan la tesis de Kant en el sentido de que el placer desinteresado en la contemplación de lo bello no implica ni mucho menos la ausencia de interés por lo bello: el interés por lo bello es un interés en su máximo grado, aquel estado en el que el hombre puede ver cumplida efectivamente su humanidad” (Kallias. Cartas sobre la educación estética del hombre, 2005, Friedrich Schiller, Anthropos-editorial, Barcelona, pág. XVII)

“El punto en el que el estado estético (en cuanto estado de la conciencia humana o estado de cosas intermedio entre sensibilidad y razón, esto es, entre el estado sensible del hombre y el Estado político construido según los principios de la razón), comienza a adquirir el carácter de fin en sí mismo, de meta final para la humanidad..” (Kallias. Cartas sobre la educación estética del hombre, 2005, Friedrich Schiller, Anthropos-editorial, Barcelona, pág. LXXII)

http://books.google.es/books?hl=es&lr=&id=LW0jyqlbUccC&oi=fnd&pg=PR7&dq=estado+est%C3%A9tico&ots=SIebygGWwv&sig=-VoJlwQuswjr71D7U3JNdMqf3Fs#v=onepage&q=estado%20est%C3%A9tico&f=false 

Epígono. (Del gr. ἐπίγονος, nacido después).

1.    m. Hombre que sigue las huellas de otro, especialmente el que sigue una escuela o un estilo de una generación anterior.

Statu quo. (Loc. lat.; literalmente, 'en el estado en que').

1. m. En la diplomacia, estado de cosas en un determinado momento.

beneplácito. (Del lat. bene placĭtus, bien querido).

1. m. Aprobación, permiso.

2. m. complacencia.

idiomático, ca. (Del gr. ἰδιωματικός, particular).

1.    adj. Propio y peculiar de una lengua determinada.

gravamen. (Del lat. gravāmen).

1. m. carga (‖ obligación).

2. m. Carga impuesta sobre un inmueble o sobre un caudal.

Post festum: una vez que los hechos (“la fiesta”) han acontecido

“La inmediatez de la sensación”:

“…es la vinculación del arte precisamente al pensamiento y al “mundo de la verdad” a pesar de su carácter apariencial. El arte, de este modo, y a pesar de su irrenunciable carácter sensible, supera la inmediatez de lo sensorial para dirigirse a los pensamientos, a la “verdadera realidad” que para Hegel no se halla en la inmediatez empírica sino en el concepto y en la idea como síntesis de lo concreto y lo universal.” (Bajo palabra: revista de filosofía, año 2008, núm. 3, Ricardo Pinilla Burgos, Apariencia y semejanza como categorías estéticas, pág. 92)

http://dialnet.unirioja.es/servlet/articulo?codigo=2931420 

Disjecta membra. también escrito disiecta membra, es latín para "fragmentos dispersos" (miembros también dispersos, miembros o restos) y se utiliza para referirse a los fragmentos sobrevivientes de la poesía antigua, manuscritos y otros objetos literarios y culturales, o incluso fragmentos de la antigua alfarería. Se deriva de "disiecti membra poetae", una frase utilizada por el Romano poeta Horacio .

Zeitgeist. es originalmente una expresión del idioma alemán que significa "el espíritu (Geist) del tiempo (Zeit)". Muestra el clima intelectual y cultural de una era. La pronunciación de la palabra en alemán es [ˈt͡saitg͡aɪst] (AFI).

Es un término que se refiere a los caracteres distintivos de las personas que se extienden en una o más generaciones posteriores que, a pesar de las diferencias de edad y el entorno socio-económico, una visión global prevalece para ese particular período de la progresión socio-cultural. Zeitgeist es la experiencia de un clima cultural dominante que define, particularmente en el pensamiento hegeliano, una era en la progresión dialéctica de una persona o el mundo entero.

 Pathos. es un vocablo griego (πάθος) que puede tomar varias acepciones.

• En la crítica artística la palabra pathos se utiliza para referirse a la íntima emoción presente en una obra de arte que despierta otra similar en quien la contempla.

• Se puede definir como: «todo lo que se siente o experimenta: estado del alma, tristeza, pasión, padecimiento, enfermedad».

• Concepto ético referido a todo lo recibido por la persona, biológica y culturalmente.

Dentro del binomio Eros - Pathos, se entiende como la bipolaridad permanente de Amor - Muerte, del ciclo genésico que enlaza con el sufrimiento del amor, o con el amor sufriente.

Dasein es un término que en alemán combina las palabras «ser» (sein) y «ahí» (da), significando «existencia». Es usado por varios filósofos alemanes, como Hegel o Jaspers, pero sobre todo por el filósofo Martin Heidegger para indicar el modo de existir propio del ser humano. El sentido literal de la palabra Da-sein es 'ser-ahí'. Que más bien sería el estar haciendo algo ahí como expresa el uso del gerundio en latín.

El termino Dasein es usado para identificar categóricamente la relación entre el ser humano y cualquier acción enfocada hacia el alcance de un propósito; entonces, el propósito es conocido, razonable y procesado intelectualmente, pero la acción no goza de las mismas condiciones, porque de alguna manera es una acción preconsciente, no procesada, no cuestionada; sencillamente concurre, se hace; y eso es Dasein.

"Fabiola" de Francis Alys

 

Artista: Francis Alys

Exposición: Fabiola

Esta exposición itinerante actualmente se encuentra en El Museo Amparo en Puebla. Esta conformada por más de 400 obras hechas a mano que interpretan la misma imagen, es una colección que se ha ido formando desde mediados de los 90.

El modelo original corresponde a la pintura titulada Fabiola con velo rojo del pintor francés Jean-Jacques Henner (1829 – 1905), la cual actualmente se encuentra desaparecida, pero tenemos cientos de reproducciones de ésta, para deducir como era. Fabiola es la santa patrona de las mujeres maltratadas y de las enfermeras.

Los materiales y soportes de las obras que conforman la colección son diversos, hay oleos, acrílicos, bordados, hechos con semillas, sobre madera, vidrio y telas distintas.

Esta obra surge de la curiosidad del artista, motivada por coleccionar objetos antiguos o en desuso para darles una nueva presencia, como lo ha hecho en obras anteriores. En este momento ubico la primeridad de la obra ya que es el momento de gestación de una nueva idea en ese lugar donde la mente considera lo que es posible. 

Francis Alys se ha planteado la necesidad de expresar este sentimiento en repetidas ocasiones, por ejemplo el objeto magnético que al arrastrarlo por las calles de México atraía objetos metálicos tirados. En esta ocasión su traducción al lenguaje artístico también fue de recolección pero de forma distinta, en este caso se tomo la tarea de buscar reproducciones de la misma imagen en un lapso de tiempo bastante amplio en el que a través de viajes y recorridos diversos fue localizándolas. Es aquí el momento en que se plantea la solución, buscándole forma a lo que en primera instancia fue una posibilidad inexistente.

Podemos observar que este artista trabaja con simbolismos pre-establecidos, que son las imágenes religiosas de santos y vírgenes. Estas tienen una estética muy particular y fácil de reconocer en una cultura Occidental.

En mi opinión, la transformación que el artista propone es de un nivel significativo,  ya que la imagen deja de ser un objeto de culto para convertiste en un objeto de análisis ante fenómenos como la representación, coleccionismo, consumo de arte, reproductibilidad, la autoría etc..

Esta muestra nos muestra la reproductibilidad técnica de la que habló Walter Benjamin pero no precisamente influenciada por los procesos tecnológicos y sus posibilidades, sino por el poder de los símbolos y creencias universales.

Es grato estar frente a tantas interpretaciones de una sola imagen, contaminadas por la personalidad e influencias sociales de cada creador, es una rica variedad que al descansar junto a la casa y muebles antiguos de la casa del Museo Amparo se vuelve un espacio lleno de diversos significados y generador de muchos posibles análisis.

 

¿Qué hace una obra de arte? Un modelo Peirciano de la creatividad artística.

Considero este texto muy esclarecedor en cuanto a la explicación del quehacer artístico lo cual es muy afortunado al coexistir con otras miles de definiciones poco convincentes.

Para comprender el texto, es necesario tomar en cuenta dos puntos importantes:

1.     La característica principal del pensamiento humano reside según Kant en la capacidad de distinguir lo real y lo posible

2.     Pierce divide la experiencia del pensamiento humano en tres niveles:

-       “primeridad”, abarca a la vida emocional (lo posible)

-        “segundidad”, abarca la vida práctica (lo real)

-        “terceridad”, abarca la vida cultural, social e intelectual (los símbolos)

La vida cotidiana se vive en la terceridad, donde todo lo que nos rodea lo consideramos real a través de la percepción de signos y símbolos aprehendidos a partir de interpretaciones.

La actividad artística consiste en advertir estos símbolos comunes pero también percibe otras posibilidades que aun no han sido enseñadas socialmente. Así el artista se da cuenta de las otra posibilidades de entender la realidad y las muestra a través de la creación. Esta creación surge del impulso de la primeridad y después a partir de la deconstrucción de símbolos preconcebidos se logra la transformación que da como resultado un nuevo conocimiento de lo real.

Se tiene que partir de algo que sea familiar a todos para proponer algo nuevo, si se logra transmitir de forma clara la nueva propuesta (nuevas redes simbólicas propias del artista) entonces será efectiva la intención, de lo contrario la interpretación será a través de símbolos pre-concebidos. 

Un ejemplo es el caso de las fotografías de conchas de Weston en las que pretendía materializar la “cosidad” de la naturaleza, pero fue interpretada de con símbolos pre-existentes que referían a lo sexual.

                Edward Weston

Otro ejemplo pero con resultados más cercanos a la intención del artista es el caso de la obra “Sistema seccionado” de Humberto Chávez Mayol, esta obra parte de un simbolismo establecido para romperlo y transformarlo.

-       Simbolismo establecido: la foto de identidad

-       Ruptura del simbolismo: modifica la cabina para fotografiar así como la cámara: esta divide el rostro en 9 partes, tomando cada una por separado.

-       Resultado, primeridad captada: la permanencia y la estabilidad de la foto son quebradas.

En el momento en que la nueva propuesta es aceptada por el publico se convierte en un símbolo, se fija en las verdades establecidas por convención.

Pierce realiza una comparación entre el proceso de investigación científica y la producción artística dividiéndolos en 4 pasos

1.     Investigador: asombro ante una anomalía que no se puede explicar en el marco de la teoría existente.

Artista: turbación provocada por un sentimiento inquietante o por un vacío (primeridad).

2.     Investigador: formula una abducción o hipótesis.

Artista: se plantea el problema intentando expresarlo.

      3.  Investigador:  realiza pruebas.

           Artista: Le da forma al sentimiento, encarnándolas en un objeto, puede realizarse en un       boceto, maqueta o directamente en la obra.

3.     Investigador: concluye que los resultados aprueban la hipótesis provisionalmente.

Artista: Juzga su trabajo, comprobando si la obra encarna un sentimiento que se vuelve inteligible.

Así pues la obra de arte es un signo que vuelve inteligibles cualidades de sentimiento.

Mi Teoría del Arte

       Todas las cosas tienen el potencial de ser objetos artísticos sólo depende la forma en como los percibes, pero a pesar de que al arte se le reconoce a través de objetos materiales éste abarca mucho más, es en realidad una forma de vida.

La persona que decide caminar su vida de esta forma es el artista, el cual es especialmente sensible y curioso, esta particularidad le hace reconocer su entorno de formas nuevas, convirtiendo lo cotidiano en excepcional para después transmitirlas. Esta capacidad de comunicación no verbal es muy poderosa ya que es capaz de activar las mentes y los corazones de las demás personas en formas diversas.

La percepción sensible y la capacidad de comunicación no verbal son capacidades difíciles de comprender y de hacerlas propias, esto se logra a través del tiempo, de la práctica y de enseñanzas de personas que han logrado comprender a fondo el lenguaje artístico a través de su propia experiencia o de profundos análisis vistos desde fuera.

Considero que la Institución del Arte se encuentra en un lugar lejano a lo anterior ya que sus bases descansan en el mundo lógico de la economía donde gobierna el dinero y el poder. La cual se caracteriza por ser controladora y tiende a marcar limites en las posibilidades del quehacer artístico.

Y así, mundos tan distintos conviven muy de cerca, lo importante es mantener el equilibrio entre los dos.

"A veces el hacer algo lleva a nada"

La obra “A veces hacer algo lleva a nada” del autor Francis Alÿs, es una acción registrada en video, en la cual el artista va empujando un cubo de hielo por la ciudad de México hasta que éste se derrite y desaparece. Esto implica un gran esfuerzo por la incomodidad y el tiempo que requiere, para obtener ningún resultado al finalizarlo.

Este acto puede tener muchas interpretaciones, en lo personal me hace pensar en nuestro transcurso por la vida, que consta de una búsqueda constante por la satisfacción mental y espiritual, la cual es tan inmensa y misteriosa que muchas veces los caminos que tomamos para llegar a ésta meta son insuficientes o erróneos.

Pienso por ejemplo en todo el tiempo de nuestras vidas que hemos pasado  y pasaremos trabajando para ganar dinero, con el fin de gastarlo y darle cuerda al sistema capitalista en el que estamos inmersos y de repente darte cuenta de esto, de la gran manipulación y mentira de la que somos parte y sin embargo no puedes salir de ella. Es ese mismo sentimiento de vacío e incertidumbre el que me deja la obra de Francis Alÿs.

El escenario donde se desarrolla la obra aporta mucho, muestra como se vive la ciudad de México, la cual guarda una historia llena de eventos silenciados y opacados en favor de realidades distintas a la actual.