El
texto " Los fundamentos del arte moderno" del historiador Werner
Hoffman, nos introduce a la problemática en la que se ha visto envuelto el arte
desde que se ha comenzado a reflexionar acerca de éste, exponiéndose a la cientifización a partir del Renaciemiento.
Estas
probemáticas se transforman a través del tiempo sin una secuencia lógica.
Para
comprender al arte en todas sus formas a través del tiempo, es necesario
despojarnos de los prejuicios que hemos adquirido a través de los cánones
estéticos que nos muestra la historia del arte. Esta tarea es muy compleja ya
que por mucho tiempo el arte de la mano de círculos poderosos, se encargaron de
establecer los límites entre lo feo y lo bello, lo malo y lo bueno, hasta
convertirlos en verdades incuestionables.
Esta
manipulación conlleva conveniencias políticas, las cuales buscaban la garantía
de una sociedad ordenada, que se conformara con lo tradicional. Esta fue una
herramienta muy poderosa para la burguesía del s. XIX para asegurar sus
privilegios en la sociedad.
Pasteleria Gloppe en los Campos Elíseos, Obra de J. Béraud (1889)
En
el momento en que el arte logra deslindarse de los intereses burgueses, se le
concede al artista absoluta libertad de elegir lo que quiere comunicar y como
lo hará.
La nueva dirección que toma el arte, ya no necesita un público sumiso sino uno abierto a la aceptación de nuevas
posibilidades. Este nuevo
público no es pasivo, sino que interactúa con la pieza destinándola,
interpretándola, y reduciéndola. De no ser así, las propuestas artísticas seguirán su camino sin ser aprobadas ni comprendidas.
Desgraciadamente ésta ha sido la realidad que han enfrentado las nuevas formas artísticas, han tenido que lidiar con un publico difícil de reconocer distintos tipos de belleza fuera de la que conocían y así encontrar distintas características que definen una obra de arte.
Otro nuevo factor que se une a la nueva concepción de arte son el museo, la exposición, el mercado artístico la crítica etc.. los cuales tomar el lugar del viejo mecenas o patrocinador.
Al nuevo camino que toma el arte se le llama arte moderno y se caracteriza por:
- No existen normas estéticas definitivas.
- Intelectualización de la vivencia artística.
- Discutible ó cuestionable (para intentar hacer accesible la inaccesibilidad de la obra de arte)
- Provoca escándalo (porque transgrede ideas viejas)
- No existe veredicto irrefutable sobre el significado de la obra.
- Su carácter estético se vuelve secundario.
Los movimientos artísticos que surgen a partir de esta época de ruptura tienen características distintas dependiendo de la época ya que éstas están directamente influenciadas por la realidad política y social en la que nacen. En su búsqueda se han investigado campos muy diversos y extremos, desde la gran importancia del valor estético hasta proclamar la razón antes que todo, pasando por la búsqueda de la verdad en lo mas profundo de nuestras conciencias o simplemente hacer arte por el gusto propio de hacerlo. Estas motivaciones casi siempre son contradictorias.
"La cosifcación de la obra de arte"
Podemos percibir una importante ruptura en la concepción del arte en 1910 con los cubistas. Estos comienzan a trabajar collage, la cual es una técnica que consiste en pegar fragmentos de objetos materiales en la superficie de un cuadro. Pero la técnica no es lo sorprendente sino lo que logran a partir de ésta. Al incorporar objetos reales en el cuadro, consiguen que se produzca el encuentro de ámbitos distintos de realidad: la representación de la realidad y la realidad misma.
El objeto pegado en el cuadro es realista, lo mas relaista que se puede llegar a ser y la forma pictórica hacer ver su imposibilidad de representación idéntica de la realidad. Se hace evidente el simulacro de la pintura.
Braque.
Otra obra que surge unos años mas tarde en 1928, pero también aclara éste simulacro es la obra de Magritte "Esto no es una pipa"
En el texto se cita el siguiente texto de Maurice Denis:
"Hay que dejar bien claro que un cuadro, antes de ser un caballo de batalla, un desnudo o una anécdota, es antes que nada una superficie cubierta de colores que se agrupan en una determinada organización."
El cuadro se convierte en objeto en el momento en que deja de imitar objetos, se vuelve un objeto en si mismo. Estas objetos reales no son obra del artista, pero están presentes en la obra sin referirnos al pintor sino a la cosa misma. Primera vez que el pintor no se hace presente en su obra.
"El ideal de lo inmediato"
En 1910 también es una año en el que otro punto de ruptura se asoma con el inicio de el lenguaje pictórico abstracto.
Kandinsky es uno de los artistas que nos muestra esta nueva forma en sus obras que se caracterizan por una gran versatilidad carente de coherencia, no existe repetición tampoco se percibe ninguna intención de forma, sus elementos no se comunican unos entre otros. Los espacios vacíos son importantes al igual que los elementos aislados.
Kandinsky, Primera acuarela abstracta.
Kandinsk; Amarillo, rojo y azul.
Kandinsky, Composocion no.8
En estas obras no existen objetos del mundo exterior, más bien hablan de mundos internos o externos pero más allá de lo real. Es por esto tan importante porque representa una liberación de las formas conocidas, y de la representación de nuestro alrededor. Lo que logra este artista es la realización de nuevos métodos de expresión en un intento de regresar a lo más básico sin dejarse contaminar por formas preconcebidas de como hacer arte.
"El ideal del equilibrio"
Otra búsqueda en el campo abstracto fue la obra del artista Piet Mondrian el cual utiliza un lenguaje lineal. Como si buscara encontrar la estructura interna de los objetos, la linea representa en su obra la abstracción mas elemental de estos.
Mondrian.
Mondrian.
Como conclusión, unas y otra soluciones artísticas a pesar de ser tan distintas tienen algo en común, que es abrir camino a la búsqueda infinita de las posibilidades que tenemos de representar nuestra realidad y nuestros pensamientos. No se vislumbra un fin ya que la necesidad de mostrar y crear es una condición humana.
